On a visité : La Biennale d’art contemporain de Lyon 2024 aux Grands Locos 🎨

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D’ART D’ART

La 17e édition de la Biennale d’art contemporain de Lyon investit cette année des lieux emblématiques de la ville, dont les Grands Locos. Ce site industriel de 20 hectares, qui fut un centre névralgique d’activité pendant près de 170 ans, accueille aujourd’hui des œuvres contemporaines qui dialoguent avec son riche passé ouvrier. Entre installations monumentales et performances audacieuses, chaque œuvre invite à une immersion unique au cœur de cet espace chargé d’histoire. Après mon interview de Sabine Longin, directrice générale des Biennales à Lyon, voici le compte-rendu de ma visite.

Un thème porteur de sens : Les Voies des Fleuves

La Biennale s’articule cette année autour du thème Les Voies des Fleuves. Un choix symbolique, car au-delà de la simple évocation aquatique, ce thème invite à une réflexion profonde sur les relations humaines et l’accueil de l’autre. Les fleuves, qui relient les terres et les peuples, deviennent une métaphore des liens qui nous unissent ou nous séparent. Les artistes ont interprété ce thème de manière variée, en y insufflant leurs visions personnelles et en explorant ce qui nous lie, nous délie, nous rassemble et nous divise. Dans un monde en quête d’altruisme et de dialogue, ce thème résonne avec force et justesse, encourageant les visiteurs à se questionner sur leur propre rapport à l’autre, sur ce qui fait et défait les communautés.

Un lieu transformé : un dialogue avec le passé industriel

Les Grands Locos, autrefois dédiés à l’industrie ferroviaire, se métamorphosent aujourd’hui en espace de création. Ce site industriel imposant, témoin des décennies de travail ouvrier, est revisité par des artistes qui exploitent chaque recoin pour mieux en révéler l’histoire. À travers des projections, des écrans interactifs, et des installations en symbiose avec l’architecture, les Grands Locos deviennent le théâtre d’un dialogue entre passé et présent. Les traces d’usure, les lignes architecturales et les vastes espaces vides témoignent de l’époque où ces lieux étaient animés par des milliers de travailleurs. Les œuvres s’intègrent harmonieusement, en respectant cette mémoire collective et en apportant des rappels visuels et thématiques qui soulignent le caractère monumental de l’endroit. Par endroits, la nature reprend ses droits, symbolisant la résilience et le renouveau au sein de cet espace chargé d’histoire.

Les oeuvres présentées aux Grandes Locos

Myriam Mihindou – Lève le doigt quand tu parles (2024)

Dès l’entrée dans le hall un, l’œuvre de Myriam Mihindou impose une atmosphère de puissance symbolique avec Lève le doigt quand tu parles. Cette installation présente des moulages d’avant-bras de femmes, tendus vers le ciel, les doigts levés, dans un geste collectif et ambigu. Ce geste, à la fois simple et chargé de sens, rappelle les luttes féministes, entre silence imposé et revendications, entre résilience et résistance. Inspirée par les luttes sociales et syndicales, cette œuvre entre en résonance avec l’histoire des Grands Locos, ancien lieu de labeur ouvrier, en soulignant la dimension de réparation et de résistance. Mihindou explore ici les thèmes de la mobilisation, de la révolte, et de la dignité, en invitant le spectateur à réfléchir sur la place des femmes, les droits humains et la mémoire collective.

Nathan Coley – There Will Be No Miracles Here (2006)

L’installation lumineuse de Nathan Coley, intitulée There Will Be No Miracles Here, est à la fois imposante et intrigante. Érigée sur des échafaudages, cette phrase, en lettres lumineuses, attire instantanément le regard. Inspirée d’une proclamation du XVIIe siècle, utilisée pour restreindre les ardeurs religieuses dans un village de Haute-Savoie, cette œuvre questionne la notion de foi, d’espoir et de miracles dans notre société moderne. Coley choisit cette expression pour interpeller le spectateur sur ses attentes, ses croyances, et la manière dont le désir de « miracles » façonne notre vision du monde. En utilisant un lieu comme les Grands Locos, chargé de labeur et de mémoire industrielle, Coley juxtapose la réalité pragmatique de ce site avec une phrase qui résonne comme un avertissement, voire une provocation. Une œuvre qui invite à la réflexion, en équilibrant ironie et profondeur.

Michel de Broin – Mortier Fati – Lignes de lumière (2024)

Dans les hauteurs des Grands Locos, Michel de Broin transforme l’espace avec Mortier Fati – Lignes de lumière. Son œuvre, installée sur le plafond voûté, utilise des matériaux bruts tels que le ciment, la chaux et le sable, rappelant la robustesse et la fonction utilitaire des Grands Locos. Cependant, de Broin va plus loin en insérant des lignes de lumière qui soulignent les fissures et les failles de la structure, symbolisant à la fois la vulnérabilité des lieux et leur capacité de résilience. L’artiste explore ici la notion de réparation, non seulement au niveau physique, mais aussi en tant que métaphore des liens sociaux qui se tissent et se réparent au fil du temps. Mortier Fati devient ainsi un hommage à l’endurance de la structure industrielle, et un écho à l’effort collectif nécessaire pour réparer et réinventer nos relations et nos sociétés.

Hans Schabus – Monument for People on the Move

Les installations sculpturales et architecturales de Hans Schabus résultent d’une exploration très personnelle des lieux et des contextes d’exposition. L’artiste questionne les relations entre les œuvres et leurs environnements, en utilisant des matériaux inattendus ou en jouant avec des circonstances improbables. Par des actes radicaux — creuser, combler, construire, couper —, Hans Schabus détruit et restructure l’espace, modifiant les repères et les déplacements du public et proposant une perception nouvelle des sites d’exposition.

Après une enquête sur l’histoire industrielle des anciennes usines dédiées à l’entretien et à la réparation des trains de marchandises, Hans Schabus réalise pour les Grandes Locos une intervention sculpturale qui relie différentes halles. Aux dimensions d’un fuselage d’un Airbus A321, la structure prend en bois de Monument for People on the Move (Monument pour les personnes en mouvement) repose sur des essieux de trains, symboles de protection et d’étroitesse, qui s’opposent aux mouvements rapides des transports aériens. Empreint d’airs de rotondes ferroviaires et d’installations esthétiques (se référant à des sculptures de motifs issus des toiles de Sigmar Polke et des reliefs de la Sécession à Vienne), l’œuvre de Hans Schabus initie un dialogue avec l’espace où les gens sont invités à traverser l’installation et à interagir ensemble.

Ange Leccia – Trois Temps

Depuis les années 1980, Ange Leccia mène parallèlement un travail sur l’image en mouvement et une réflexion sur l’objet à partir de l’emploi de matériaux préexistants. À travers la vidéo et la sculpture, l’artiste développe des « arrangements », au moyen de procédés de superposition et de confrontation, afin d’obtenir et de donner justice à la relation entre les choses. Défenseur d’une pratique de la « manipulation », tant pour les objets que pour les images, il efface leur fonctionnalité au profit d’un questionnement fondé sur leur signification et sur la manière dont ils reflètent la société qui les utilise.

Inspiré par l’histoire des Grandes Locos, ancien centre technique de la SNCF et témoin de l’histoire du chemin de fer, Trois Temps est un montage d’images vidéographiques issues de différentes temporalités et géographies. Projetée dans des usines autrefois consacrées à la révision de locomotives électriques et à la maintenance des pièces détachées, l’œuvre vidéographique d’Ange Leccia associe les vues prises depuis les wagons de train ou des quais de gare à travers le monde pour former un territoire en tension et en perpétuel mouvement. Son travail reflète le format narratif du film cinématographique et privilégie le mode contemplatif par rapport à la recherche de défilement et de l’instantanéité lumineuse. Confrontant des paysages et des visages, Trois Temps est une méditation sur la vitesse, le mouvement, et font écho à la mobilité et au déplacement des trains.

Feda Wardak – Les sols ont vibré

Le travail de l’architecte et artiste afghano-français Feda Wardak se décline sous la forme d’installations monumentales dans le paysage, de créations chorégraphiques et de films. Il s’intéresse à des modèles d’organisation communautaire qui s’élaborent indépendamment de l’aide des pouvoirs publics. Au prisme des sciences politiques et sociales, ses dispositifs artistiques en récit les violences invisibles qui agissent sur des environnements habités.

Les sols ont vibré de Feda Wardak explore la destruction des karez afghans — ouvrages hydrauliques millénaires de sous-sols — à la suite des attaques de souterrains Air Force et leur reconstruction par les populations locales. L’installation met en relation en tension trois contextes spatiaux : le ciel, le sol et les sous-sols. Depuis le ciel s’exerce le contrôle des forces américaines, les stigmates au sol y racontent les violences de l’appareil impérialiste, tandis que depuis les sous-sols la résistance afghane ne fait pas écho à l’étendue des galeries d’eau. Parmi les zones épargnées par les bombardements, se trouvent les vestiges des aménagements faits par Alexandre Le Grand, d’anciens savoirs de la lutte pour l’eau, protégés de l’Occident. L’artiste s’empare d’une civilisation de la résilience et entend se souvenir des savoir-faire hydrauliques afghans en y associant une lecture des conflits afin de proposer un sous-sol social, selon sa définition, et s’emploie à imaginer que l’infrastructure souterraine répond aussi qu’à la surface.

La suspension immatérielle des éléments ouvre ainsi un espace d’hospitalité, vertical, et dans la dynamique des temps qui s’effacent face à des récits multiples de la destruction et de l’organisation des mondes. Les sols ont vibré examine différentes manières, sociales et spatiales, de préserver une identité sociale, spatiale et culturelle afghane.

Hélène Delprat – Vous êtes en train de m’enregistrer ? (2024)

Dans Vous êtes en train de m’enregistrer ?, Hélène Delprat joue avec le thème de l’omniprésence des dispositifs d’enregistrement et de contrôle dans notre société contemporaine. En mélangeant peinture, vidéo, et sons enregistrés, elle crée une installation immersive et presque paranoïaque. Les fragments visuels et sonores se chevauchent, offrant une mosaïque de voix et d’images qui évoquent à la fois la surveillance et la vulnérabilité. Cette œuvre questionne notre rapport à l’intimité dans un monde où tout est capté, où les frontières de la vie privée se dissolvent sous l’œil insistant des caméras et des dispositifs numériques. Au sein des Grands Locos, lieu symbolique de transformation et de mémoire, Delprat offre une réflexion sur les traces que nous laissons, volontaires ou non.

Pilar Albarracín – Marmites enragées (2006)

Pilar Albarracín nous plonge dans une atmosphère de tension domestique avec Marmites enragées, une installation constituée de dizaines de cocottes-minute qui s’activent en libérant de la vapeur lorsque le visiteur s’approche. Symbole de la cuisine et des tâches domestiques traditionnellement associées aux femmes, cette installation détourne ces objets pour en faire des instruments de revendication. Avec un rythme cadencé qui évoque l’Internationale socialiste, Marmites enragées devient une scène de protestation silencieuse mais vibrante, évoquant la révolte et la puissance latente. Dans le contexte des Grands Locos, ces marmites en ébullition renvoient à la fois aux luttes ouvrières et aux combats féministes, interrogeant la place des femmes dans la société et dans l’histoire.

Mona Cara – Le Cactus (2024)

Inspirée par le café Voïla à Hyères, l’œuvre textile de Mona Cara intitulée Le Cactus interroge la notion d’identité collective et de résistance sociale. En utilisant des matériaux comme le tissage jacquard, la dentelle et des fils recyclés, Cara crée un monde hybride et dystopique où des figures inspirées de la culture populaire côtoient des symboles de luttes sociales. L’œuvre évoque l’idée de la résilience face aux défis environnementaux contemporains. Avec un humour décalé, Mona Cara utilise des références culturelles telles que Doctor Who et Peppa Pig pour rappeler que le chaos de la société moderne peut aussi être source de renouveau et d’espoir.

Jean-Christophe Norman – Le Fleuve sans rives (2024)

L’installation de Jean-Christophe Norman, intitulée Le Fleuve sans rives, est une exploration introspective du temps, de l’espace et de la pratique de l’écriture. Construit à partir de pages peintes à l’huile et à l’encaustique, l’artiste crée un fleuve de mots qui coule sans fin, où chaque fragment littéraire se nourrit des mots d’auteurs comme Conrad, Shakespeare, et Rimbaud. Cette œuvre performative rend hommage à la littérature de voyage et à la quête de l’infini, transformant l’espace en une carte géographique imaginaire. Elle invite les visiteurs à naviguer au gré des mots, comme on suit un courant, dans une expérience méditative qui rappelle l’immensité des fleuves.

Nefeli Papadimouli – Idiopolis (I – X) (2024)

Dans Idiopolis (I – X), Nefeli Papadimouli explore la notion d’espace commun à travers la relation entre l’architecture et le corps. Ses sculptures textiles, conçues avec des matériaux variés tels que le coton, le lin et le jonc de verre, sont à la fois statiques et dynamiques, prêtes à s’animer sous l’impulsion d’acteurs ou de performers. Inspirée par les anciens théâtres syndicaux, elle mêle les notions d’indépendance et de cohésion pour symboliser un espace de rencontre et de cohabitation. Papadimouli propose ici une réflexion sur les connexions humaines et sociales dans des lieux collectifs, rappelant la mémoire ouvrière des Grands Locos.

Bastien David – Sensitive (2024)

Passionné par la richesse du monde sonore, Bastien David présente Sensitive, une installation sculpturale et sonore qui s’apparente à un organisme vivant. Constituée d’instruments créés par l’artiste, l’œuvre prend vie lorsque le public en active les éléments, déclenchant une symphonie de sons et de vibrations. Sensitive encourage la participation, et à travers le contact physique et acoustique, elle illustre la manière dont les corps peuvent être en harmonie. Cette sculpture orchestrale propose une expérience immersive, où chaque spectateur devient une note dans la mélodie collective, à l’image des travailleurs des Grands Locos qui œuvraient ensemble pour faire fonctionner cette gigantesque machinerie industrielle.

Andrius Arutiunian – End Pull (2024)

Dans End Pull, Andrius Arutiunian explore les notions d’accord social, esthétique et politique à travers des formes hybrides de son et de vidéo. L’œuvre, tournée dans le lit d’une ancienne rivière arménienne, interroge la répétition et le rythme, rendant hommage au film Wavelength de Michael Snow. Arutiunian superpose des images hypnotiques de paysages et des sons atmosphériques, évoquant les traditions et rituels liés à l’eau. Cette installation immersive nous plonge dans un univers sensoriel, où les répétitions créent un état hypnotique qui perturbe notre perception du temps et de l’espace.

Lina Lapelytė – The Speech (2024)

L’œuvre The Speech de Lina Lapelytė remet en question le pouvoir du langage et la place de l’individu dans la communauté. À travers une performance sonore et visuelle, Lapelytė explore l’absence de parole comme un moyen de communiquer des émotions profondes. Inspirée par les récits de la nature et du silence, elle utilise des chants et des gestes pour exprimer les connexions entre les êtres vivants, créant ainsi un langage universel qui transcende les mots. The Speech interroge la manière dont les êtres humains et animaux peuvent coexister et s’entendre sans le recours à un langage articulé.

Chourouk Hriech – L’Oasis des oiseaux (2024)

Chourouk Hriech nous transporte dans un univers poétique avec L’Oasis des oiseaux, une installation mêlant dessins à l’encre de Chine, vidéos et compositions sonores. Inspirée par les migrations d’oiseaux, l’œuvre explore la liberté et le voyage, en proposant des paysages imaginaires où se rencontrent faune, flore et symboles géographiques. La juxtaposition de motifs végétaux et architecturaux crée un univers visuel riche et foisonnant, invitant le visiteur à voyager à travers des époques et des territoires. L’installation symbolise les liens profonds entre l’homme et la nature, en rappelant que les migrations ne concernent pas uniquement les oiseaux, mais aussi l’humanité en quête de nouvelles terres et de liberté.

Jesper Just – Interoceptions, 2024

La pratique de Jesper Just s’articule autour de la vidéo et de l’installation, qu’il associe dans des environnements à l’architecture complexe. Déplaçant les codes et les techniques du cinéma dans le domaine des arts plastiques, l’artiste met à mal les schémas traditionnels et linéaires de la narration et de la dramaturgie. En créant des situations énigmatiques et ambiguës, il incite le public à se confronter, non pas à des mots ni à des personnages, mais aux actions réalisées par les personnages, aux images, aux émotions, les états psychiques sur les relations portées par les œuvres.

L’installation vidéo Interoceptions met en scène un espace-temps perturbé d’une forêt, plongée dans une métamorphose continuelle entre le jour et la nuit. La forêt est filmée six fois dans la même journée. Réunis bout à bout, les différents moments tissent ensemble dans la machine à remonter le temps, l’œuvre vidéo fait visuellement allusion aux dispositifs des musees pré-cinématographiques, alors que le son est intensément circulaire. La structure en tubes de l’installation renvoie à la treille et en tant qu’élément à la fois d’ouverture et de fermeture entre l’espace d’exposition et l’espace cinématographique. Dans la Rome antique, les colonnes et les clôtures servaient à s’y formater ainsi des lieux de sociabilité frontaliers. L’idée de la ségregation, avec les passerelles symboliques d’ouverture dans des lieux intermédiaires et marginaux.

Juliette Green – Dans le train, 2024

Juliette Green est née en 1995 à Semur-en-Auxois, France, et vit à Paris. Son travail est basé sur des illustrations explorant des récits fictifs, souvent sous forme de cartographie et d’inventaire, pour offrir une relecture poétique des expériences du quotidien. Avec Dans le train, elle évoque des rencontres brèves et intenses, où les voyageurs, observateurs silencieux, partagent un espace commun. L’installation célèbre ces instants éphémères et propose une réflexion sur le réseau complexe des liens, des souvenirs et des expériences collectives et personnelles vécues dans le cadre de la mobilité urbaine. Ses dessins proposent un espace narratif où les voix s’entremêlent, créant une cartographie humaine et sensorielle du voyage en train.

Clément Courgeon – La chariotte des malins, 2024

Né en 1997 à Paris, France, Clément Courgeon est un artiste pluridisciplinaire qui s’inspire des traditions carnavalesques et des pratiques populaires. La chariotte des malins est une œuvre qui invite le spectateur à interagir avec un dispositif mobile où se croisent performances et installations. L’artiste revisite l’univers forain et des marionnettes à la française, proposant une vision contemporaine et engagée du divertissement. Cet espace mouvant, animé par Courgeon et ses complices, devient un lieu de rencontre et de réflexion pour le public, interrogeant la limite entre l’artiste et le spectateur.

Healthy Boy Band feat. Public Possession (Collectifs basés à Vienne, Autriche et Munich, Allemagne)- Public Health Care, 2024

Fondé par les chefs Lukas Mraz, Philip Rachinger et Felix Schellhorn, le collectif Healthy Boy Band développe une approche à l’intersection de la cuisine et de la création artistique, entre restauration rapide et haute gastronomie, installation participative et performance collective. Fondateur du magazine Healthy Times, créé autour d’une eau de ski à partir de neige fondue et de sirop de framboise, organisateur d’une course de fond Save the Queen (La course sauve la reine), le groupe favorise l’alimentation et l’improvisation dans ses actions pluridisciplinaires. Envisageant la collaboration des artistes, photographes, musicien·nes et cuisinier·es au sein d’une installation multi-sensorielle ouverte au public, l’œuvre Public Health Care réalisée en collaboration avec Public Possession, un collectif fondé en 2012 par Valentino Beltz et Marvin Schuhmann, lui ont pensé les rites de la table, le design graphique et les happenings.

Considérant qu’un café, un restaurant ou tout espace de restauration est un lieu d’ouverture à l’autre, les collectifs Healthy Boy Band et Public Possession se sont pour l’œuvre Public Health Care à Sandwip, pour ouvrir temporairement leur canot d’un table durable, en pensant la diversité culturelle en société. L’installation revisite la dissémination des produits alimentaires et des savoir-faire liés à la fermentation, le plaisir de la table et l’art d’hériter ensemble de nouvelles formes de gastronomie et de rites collectifs.

Bocar Niang – Murdesmots, 2024

Bocar Niang est issu d’une famille de griots : poètes, conteurs, qui ont pour tâche de conserver et de transmettre les traditions orales des communautés africaines. Sa recherche artistique se fonde d’Afrique. Sa recherche d’énervement qui fait la récite d’histoires performantes orales à partir de recueils sonores, des textes et enregistrements multilingues contemporains, afin de créer de nouvelles narrations et à partager et à l’égard de la culture de griots de conscience des histoires qu’ont renforcé les liens entre les individus.

Suspendue dans les halles des Grandes Locos, l’installation textile Murdesmots compose un récit poétique dans l’espace : soixante-dix mots, glanés par l’artiste au cours de ses déplacements, sont traduits et symboles de la française, italien, peul et wolof. Rencontre entre les langues, un acte de dictionnaire visuel constitue le livre sonore de la poésie multiculture. Actes par Bocar Niang à l’occasion de lectures publiques, le Murdesmots invite au partage, à la prise de parole, à la polyphonie et à toutes les formes d’oralité, déclamées, chantées et jouées.

Deimantas Narkevicius – Stains and Scratches, 2017

Toute l’œuvre vidéo de Deimantas Narkevičius explore l’histoire à partir d’un point de vue subjectif. Recourant souvent à l’esthétique et aux techniques du cinéma documentaire, l’artiste utilise des interviews, des images d’archives et des voix off pour examiner les relations entre souvenirs personnels et toutefois compte de l’impossibilité d’adopter un regard objectif sur les événements et la complexité de la mémoire. S’ils évoquent toujours sa Lituanie natale, ses films trouvent une résonance plus large en tant qu’études poétiques et politiques de vies ordinaires vécues à l’époque de grands bouleversements.

Jouant sur des effets d’illusion stéréoscopique, l’installation vidéo Stains and Scratches (Tâches et rayures) renvoie à un épisode mémorable de la culture alternative lituanienne. Un vinyle de l’opéra rock Jésus Christ Super Star parvient clandestinement sur la scène underground par un groupe d’étudiant·es, qui interprète ensuite la comédie musicale interdite à l’Institut d’art de Vilnius le 25 décembre 1971. C’est à partir de la seule trace matérielle de l’événement — le film Super 8mm, sans son, abîmé par le temps — que Deimantas Narkevicius décide de reconstituer le concert. La numérisation du film en noir et blanc et sa transformation en projection 3D permettent d’entrevoir un opératique faite de gestes et d’illusions corrodées face les aspirations politiques, artistiques et personnelles de la jeunesse se confrontant au mutisme et à l’immobilisme informationnels. À partir d’une exploration de la matérialité du support — ses taches et ses rayures — l’œuvre de Deimantas Narkevicius donne à voir et à entendre un morceau d’histoire.

Nathan Coley – Burn the Village, Feel the Warmth

Les œuvres de Nathan Coley questionnent la charge sociale et politique de l’architecture et de l’espace public, leurs influences sur les comportements et le mode de pensée des populations. Qu’il s’agisse d’installation, son travail artistique comme un outil de communication entre un site et un public : « Mes objets peuvent parler en mon absence », affirme-t-il. Traversé par les questions d’identité, de propriété et de croyance, le travail de Nathan Coley invite à la réflexion, au débat et à l’engagement.

Montées sur des échafaudages, les enseignes lumineuses de Nathan Coley se composent de mots issus de différents contextes, tels des extraits de textes historiques, de chansons populaires ou encore de brèves sociales à la suite d’émeutes survenues dans les rues de Londres au cours de l’été 2011, l’expression Burn the Village, Feel the Warmth (Brûler le village, sentir la chaleur) décrit le sentiment de mécontentement qui a éveillé la colère des manifestant·es. Criant une injustice que subissent les populations des destructions qui pourraient advenir si les injustices ne sont pas portées dans le débat. Placée dans des anciennes usines ferroviaires, l’énonciation résonne à l’intérêt de Nathan Coley que l’appropriation d’une formule ou le parapluie la politique d’un territoire. De par l’usage de l’échafaudage, portable — et de sa résonnance possible dans un autre contexte.

Olivia Funes Lastra- Au-delà de la mer, une rivière (Beyond the sea, a stream)

Abstrait et coloré, le travail pluridisciplinaire d’Olivia Funes Lastra explore les thèmes de l’hybridation, de la traduction et des pigments. Utilisant des tissus teints et peints, l’artiste assemble des architectures éphémères mobiles aux portemanteaux suspendus. Cette installation invite les spectateurs à redécouvrir les formes et les couleurs à travers une sorte de voyage poétique.

Espace collectif structuré autour de couleurs vives et de formes fluides, l’œuvre de Lastra offre un écho aux scènes industrielles et à l’histoire des Grands Locos, transformés ici en une scène de la diversité et de la rencontre culturelle.

Jeremy Deller

Attentif à l’histoire sociale, à l’actualité politique et à la mémoire collective, Jeremy Deller développe une pratique qui évolue entre art conceptuel, performance, installation et vidéo. Préférant « travailler avec les gens plutôt qu’avec les choses », l’artiste assemble des personnes issues d’horizons différents pour créer des instances de désobéissance et de rébellion aussi variées que des fêtes populaires, des archives documentaires ou des supports militants. Depuis 2000, il collabore avec Ed Hall, qui réalise des bannières pour des syndicats politiques ou des associations britanniques.

Les bannières de Jeremy Deller affichent des messages que chacun peut comprendre et faire siens – « Nous avons besoin de plus de poésie », « Fumer tue », « À chaque époque son fascisme »… Jouant avec les couleurs et les hauteurs, ces banderoles évoquent les parades populaires et célèbrent des valeurs fortes de solidarité entre les peuples. « J’adore les drapeaux – et peut-être que tous les humains, cela fait presque partie de notre ADN d’être instinctivement attirés » en raison des grands événements publics qui nous rassemblent » affirme l’artiste. Complétées par des vidéos documentant des processions et marches de protestation, elles abordent des questions de dignité, de mémoire et d’appartenance, et sont installées dans les Grands Locos, anciennement des ateliers ferroviaires, les installations textiles et vidéo de Jeremy Deller rappellent l’esprit des luttes des ouvriers de la SNCF et les grandes parades syndicales qui animaient autrefois les lieux.

Hervé Troccaz

Notre avis : un voyage artistique au cœur de la mémoire industrielle

Après les usines Fagor en 2022, la Biennale d’art contemporain de Lyon investit cette année un autre espace emblématique de l’histoire industrielle lyonnaise : les Grandes Locos. Ce lieu, chargé de mémoire, apporte une nouvelle dimension aux œuvres qui y sont présentées. Le hall 1, véritable cathédrale de métal et de lumière, se révèle grandiose et sublime les installations. Les artistes semblent avoir intégré la monumentalité de cet espace, créant des œuvres à l’ampleur impressionnante, parfaitement en dialogue avec cette architecture industrielle. Les Grandes Locos accueillent sans conteste les propositions les plus saisissantes de l’événement, offrant un parcours spectaculaire qui captive le visiteur dès les premiers pas.

Chacun pourra y trouver son compte, tant les propositions sont hétérogènes, passant de la performance sonore aux sculptures monumentales. Nos coups de cœur vont sans hésiter aux cocottes-minutes de Pilar Albarracín. Cette installation audacieuse détourne l’objet de cuisine pour en faire un outil de protestation : les jets de vapeur se synchronisent avec l’Internationale, transformant un symbole domestique en un manifeste féministe et social. De même, l’œuvre poétique de Chourouk Hriech, L’Oasis des oiseaux (2024), invite à une échappée onirique et un dialogue harmonieux entre nature et urbanité. Les oiseaux migrateurs, symboles de liberté et de voyage, peuplent cet univers à la fois serein et foisonnant de détails, capturant l’essence du lien entre l’art et l’environnement.

L’un des points forts de cette Biennale réside dans le rapport étroit entre art et espace, qui rend cette édition particulièrement immersive et intéressante. Les œuvres dialoguent avec les lieux, jouent avec les volumes et exploitent l’acoustique, provoquant des émotions très diverses chez les visiteurs. On passe tour à tour par l’étonnement, face aux installations imposantes et parfois insolites, et par l’amusement, notamment avec des œuvres plus ludiques et interactives. L’immensité des Grandes Locos permet à l’art contemporain de s’exprimer sans restriction, offrant un véritable spectacle sensoriel.

Par contraste, la Cité Internationale de la Gastronomie, autre site de la Biennale, laisse une impression plus mitigée. Bien que l’idée de lier art et gastronomie soit séduisante, le résultat manque de l’authenticité brute que l’on retrouve aux Grandes Locos, l’ensemble paraissant quelque peu aseptisé et en décalage avec l’esprit créatif et audacieux de la Biennale.

Au Musée d’Art Contemporain (MAC), la Biennale explore d’autres médiums : peinture, vidéo et photographie sont davantage à l’honneur. Le MAC se distingue ainsi comme un espace plus introspectif, où l’on prend le temps de s’immerger dans des œuvres contemplatives, offrant une expérience complémentaire à celle des Grandes Locos.

Cette édition de la Biennale de Lyon se révèle particulièrement riche et aboutie. Elle réussit à captiver un large public en jouant sur la diversité des formes et des propositions artistiques, tout en tirant pleinement parti des espaces emblématiques de la ville. Les Grandes Locos, avec leur charme industriel, constituent un écrin unique pour les installations les plus marquantes, où chaque recoin devient une invitation à la découverte et à la réflexion.

Biennale d’art contemporain de Lyon 2024 – Informations pratiques

17e biennale d’art contemporain de Lyon 2024, Les voies des fleuves

📅 Du 21 septembre 2024 au 5 janvier 2025

Les Grandes Locos

📍10 rue Gabriel Péri

69350 La Mulatière

🚇  Gare d’Oullins

Tarifs et réservations pour la Biennale d’art contemporain 2024

Vous devrez acheter vos billets sur la billetterie en ligne ou sur place.

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